De lo figurativo a lo abstracto, del óleo al acrílico, de la técnica singular a la mixta,
de las emociones a las observaciones, de la pintura a los fuegos.


¿Cómo se fueron desarrollando a través del tiempo, las diversas técnicas, o desde el inicio, ha habido una coexistencia entre ellas?

En un comienzo, creo que como todo artista, me inicié pintando composiciones figurativas; ya que tenía como base lo aprendido en Bellas Artes, pintábamos lo cotidiano, lo que nos rodeaba: bodegones, figuras humanas y paisajes. Luego, hay un proceso de investigación propia, junto con el impacto que me produjo conocer la obra abstracta, de cuánto se puede transmitir a través de las figuras amorfas o simplemente manchas de colores.
Fue a la vez un aprendizaje en conjunto con mis alumnos, cuando daba clases de artística, cómo lograr incentivarlos a adentrarse en un mundo desconocido para la mayoría de ellos. Con técnicas de collage y pintando en grupos reducidos logré mi objetivo.
El óleo y el acrílico han coexistido por un tiempo en mis obras. Sin embargo, me gusta mucho incorporar nuevos materiales por lo tanto, investigo y practico constantemente. Fue así como surgió la textura, la pintura asfáltica; esta última es una materia oleosa, que junto con el acrílico, a base de agua, dan unas formas, manchas y texturas, que al dejarlos fluir en la tela se produce como una especie de magia.
Siempre las emociones están presentes en la obra. El uso de algún color determinado, o dos o más, tienen que ver con mi sentir y, por supuesto,  la observación minuciosa para definir cuándo la obra está concluida.

¿Cómo se conversa con la tela? Es posible que frente a ella se modifiquen ideas y emociones pre – existentes?

Para mí siempre, hay una ida y una vuelta con la tela.  En la obra figurativa, quizás, destacar aquello que considero importante o me impacta emocionalmente; o también cambiar aquello que visualmente no me agrada o no transmite lo que yo quiero. En la obra abstracta, hay algo lúdico, cuando se trata de unir dos materias distintas. Dejarlas fluir, esperar que se sequen, charlar con la tela, qué me dicen esas manchas y texturas; volver a aplicar la materia, o no, volver a esperar, volver a esa charla, y por último dar los toques finales.

Las obras “Cotidianidades” y “Cotidianidades II”, naturalezas muertas, son pintadas al óleo y con paletas contrapuestas. Cuánto define el color, en este caso, la intención del sentido de la obra.

“Cotidianidades”, fue realizada con colores acromáticos; valores de grises, blanco y negro. Quise mostrar la simplicidad de lo cotidiano, eso que nos acompaña todos los días. El compartir un mate, tomar un té, un café o simplemente saborear una fruta. Para mí significa la tranquilidad del hogar. “Cotidianidades II” realizada con tonos de ocre, muestran también elementos que nos muestran la simpleza de una calabaza, una cebolla, huevos, es decir lo cotidiano, que es comprar lo necesario para un almuerzo o una cena. Nuevamente la intimidad y calidez de un hogar.

Ha sido nominada tu obra “Apertura” en la muestra “Trazos” Italia 2023, en la ciudad de Torino. Cómo se gestó esta posibilidad, qué aspectos de la experiencia serían interesantes compartir y cómo llega a obtener el Primer Premio de Pintura Abstracta.
Mi obra “Apertura” de la Serie “Luz Interior” participó de la Exposición Internacional y presencial que se realizó en la sala de exposiciones del Hotel Boutique “Adalesia» en Turín, Italia, del 29 de julio al 29 de agosto de 2023. Fue organizado por @universodelasartes y sus directores: Marcos Ozan de Argentina y Buana Lima de Brasil. Su inauguración fue en vivo y resultó  maravilloso ver mi obra, tan lejos y siendo apreciada por tantos turistas que pasaron por el hotel. Todo esto fue posible por Marcos Ozan, quien me convocó para esta muestra y con quien ya había participado en otras dos muestras presenciales en Colombia, con la misma modalidad. Esta obra obtuvo el 5 de agosto de 2022, el primer premio de Pintura abstracta en el “Salón Arte desde el Alma”,  en @gdAbasto organizada por su directora Graciela Diaz Zaid. En las muestras que realiza Graciela, siempre hay premios y menciones. 

“Llanto” es una obra de la serie  “Luz Interior”. ¿Cuántas obras la componen y en qué tiempo interno fueron creadas?

La serie “Luz Interior” la componen siete obras: “Oculto”, “Penumbra”, “Llanto”, “Torbellino”, “Calma», “Apertura” y “Renacer”. Esta serie representa para mí las etapas del duelo. Hay obras abstractas y figurativas. Fueron realizadas durante el transcurso del año 2022. 

¿Qué representa en tu sensibilidad el color azul cobalto y, en particular en la obra “Espera”?

Mi obra “Espera” representa esa espera de la llegada de un hijo al que amaremos por sobre todas las cosas. Realizada en tonos turquesa, unas sutiles texturas de hilo y modulado de líneas en tono azul cobalto, para resaltar a la mujer y las caderas tenuemente sugeridas. El color azul representa para mí la pureza del amor, la seguridad del feto en el vientre materno y la calma en tantos meses de espera.

En la técnica mixta hay una combinación que se encuentra en varias obras, es el acrílico y la pintura asfáltica. ¿Cuáles son las cualidades de esta combinación en la potencialidad expresiva?

Combinar pintura acrílica y asfáltica da mucha expresión a las obras. Ya que son diferentes. Una oleosa y la otra acuosa. Imposible de mezclarse o unirse en su totalidad. Se logran texturas y tonos dentro del color casi únicos. Me fascina el ver fluir estos materiales. El negro de la asfáltica tiene mucha fuerza y le da particularidad a la obra.

Tus obras están transitando por diferentes espacios de arte y por distintas geografías nacionales e internacionales, donde obtienen importantes menciones y distinciones. Hay una decisión como artista plástica de participación, de expansión en el mundo y en el mercado del arte. ¿Es posible vivir del arte?

Hay una decisión como artista plástica de participar en diferentes espacios de arte nacionales e internacionales. De expandirme en el mundo del arte. Amo lo que hago, disfruto de cada proceso. Mostrar mi obra es la culminación de todo ese ciclo. ¿Vivir del arte? Pregunta difícil de responder. Sí, creo que es posible. Demanda mucho trabajo, en las redes, por ejemplo, para dar visibilidad a las obras y, así abrirlas a nuevos compradores. Por supuesto, seguiré exponiendo, donde también puede surgir la posibilidad de favorecer el mercado del arte.

Existe una evidencia significativa en el mundo occidental, de la presencia de las mujeres produciendo artes visuales. ¿Cuál es tu mirada dada tu experiencia, sea como mujer, artista y docente?

Realmente me siento impactada, a la vez que orgullosa, de pertenecer a este grupo de avanzada. Desde que comencé a exponer y socializar mis producciones en distintos ámbitos culturales, en general y de arte en particular, analizo la cantidad y calidad de los trabajos, y me impacta lo que veo y siento.
Como mujer, como artista y como docente, pienso que estamos recorriendo un camino sin retorno, estamos mejorando a la sociedad en su conjunto. Ya que el arte en cualquiera de sus expresiones nos sensibiliza con el otro. Nos sana interiormente.

Mirta Salafia

*Egresada de la Escuela de Bellas Artes, Carlos Morel.
*Universidad de las Artes. Especialidad en Fuegos.
*Obtuvo varias menciones y  premios.

Próximas Exposiciones: 7 y 8 de junio Muestra aniversario del Espacio Artekalon en el Palacio Balcarce, organizado por María Farías.
*Biblioteca Alvear en Caba. A beneficio del Hospital Durand.
*Julio y Agosto: Muestra individual en Café Resto Ombú, Quilmes
*Octubre: Muestra individual junto a una colega en Espacio de Arte La Fábrica. Quilmes.
*Noviembre: Muestra individual en el Bar Cultural Morada de Cler, San Telmo
*Todo el año 2024: Muestra colectiva con distintas obras cada mes, en @artesrealesok, San Telmo.